AMÁLIA

 

 

O conto de Newton Moreno de pouco mais de duas páginas teve tratamento dramatúrgico de Ivan Andrade introduzindo a presença de várias personagens masculinas que interagem com a protagonista Amália, resultando em um agradável espetáculo de 70 minutos também dirigido pelo adaptador.

Amália é mulher de meia idade doida para amar espiritual e carnalmente. Essa obsessão por praticar o amor a torna quase uma ninfomaníaca, apesar de sua busca também pelo lado espiritual do amor, como bem diz, de maneira “saborosa”, Newton Moreno no conto original: “Desejava. Carne, carne também. Amava daquele jeito que alma e carne importam o mesmo tanto. Não se distingue um do outro. Que nem baião de dois; o arroz tinha gosto de feijão e o feijão parecia arroz. Inevitável era a fome”.

Amália pensa que se anestesiar o coração esse desejo cesse, mas descobre que ele vem do olhar e não do coração, resolve então ficar cega para mitigar esses anseios.

No meu modo de ver, trata-se de uma metáfora um pouco forçada, mas que de qualquer maneira resultou em um espetáculo bastante agradável.

Marcos Azevedo encarrega-se com desenvoltura das várias personagens masculinas da peça. Dotado de bela voz, sua presença cênica é marcante.

Lara Córdulla entrega-se de maneira visceral à criação de Amália, marcando mais um ponto positivo em sua carreira.

Torna-se significativo o reencontro desses dois intérpretes, 37 anos depois de terem atuado juntos em “Concílio de Amor”, icônico espetáculo dirigido pelo quase estreante Gabriel Villela em 1989.

Concílio do Amor - 1989 - CCSP  - Foto de Ary Brandi

O cenário composto por dois módulos manipulados pelo elenco é de Giorgia Massetani, assim como os figurinos. Apenas por questão estética seria interessante que as joalheiras usadas por Lara fossem menores e mais delicadas.

A produção conta ainda com Mirella Brandi (iluminação), Raul Teixeira (trilha sonora) e Roberto Alencar (preparação corporal e direção de movimento).

 

AMÁLIA está em cartaz no Teatro Estúdio às segundas e terças às 20h até 22/12.

 

11/11/2026

ACESSO

 

        Seja como paciente ou como acompanhante é tedioso e desconfortável estar na sala de espera de um hospital aguardando o atendimento enquanto se presencia o sofrimento de muita gente que ali está.

        O texto de Daniela Tozzi reforçado pela direção de Lavínia Pannunzio é uma faca de dois gumes pois ao reproduzir com fidelidade esse ambiente cria um desconforto no público que persiste durante a hora e meia que dura o denso espetáculo.

        Olívia está ali acompanhando sua companheira Alice que está com dificuldades de respirar. Enquanto espera e cobra nervosa da enfermeira Judith e dos médicos o atendimento da amiga, vê desfilar em sua frente uma moto girl que levou um tiro na perna, um menino de rua que foi esfaqueado e muitos outros casos. Com pequenas variações no gestual e na cena Daniela Tozzi interpreta todos esses personagens. A atriz tem presença cênica bastante potente colocando parte do público como personagem de sua narrativa.

        O texto teve orientação dramatúrgica de Daniela Pereira de Carvalho e tem bons momentos, mas padece de certa verborragia e da excessiva duração. Alguns minutos a menos fariam muito bem a esse espetáculo.

        Lavínia Pannunzio dirige o espetáculo de forma radical sem fazer concessões que tornariam o mesmo mais palatável só dinamizando o longo monólogo com o abrir e fechar de cortinas transparentes que envolvem o público, o uso de microfone e mudanças de luz segundo o desenho assinado por Aline Santini. A diretora radicaliza ao ponto de colocar a atriz fora de cena durante a longa fala da paciente Alice. Trata-se de experiência digna de aplauso pela coragem de sempre buscar novos caminhos, mesmo que não seja do agrado do grande público.

        A pequena sala anexa do Teatro Estúdio teve seu espaço totalmente modificado para receber a cenografia de Mira Andrade.

        Não é agradável, mas é muito importante mostrar e denunciar, por meio de uma  amostra, a  sociedade doente em que vivemos e só por isso já se justifica esta montagem.

        ACESSO está em cartaz no Teatro Estúdio às segundas e terças às 18h30.

        10/11/2026

 

PROVA DE VIDA

 

Quando a química contradiz a matemática 

A química resultante da junção dos talentos e simpatias de artistas como Miriam Mehler, Rafael Primot e Marco Antônio Pâmio é muito maior que três!!

A comédia de Gustavo Pinheiro coloca em cena uma senhora simpática de passado não muito digno que vai ao banco para fazer a prova de vida e é atendida por um funcionário burocrático e mal-humorado, Ela reclama das inovações tecnológicas que lhe são incompreensíveis e ele está mais preocupado com suas apostilas para prestar concursos do que lhe dar um pouco de atenção. O encontro de início impessoal vai dissolvendo a carranca do burocrata frustrado graças às artimanhas da velha senhora. A partir daí, revelações de ambas as partes aproximam as duas pessoas carentes de calor humano.

Pâmio dirige os dois intérpretes com a elegância que lhe é habitual arquitetando cenas deliciosas como aquela em que eles saboreiam, quase em silêncio, pedaços de uma torta que a senhora trazia em sua bolsa cheia de surpresas.

O cenário simples, mas funcional é assinado por Marco Lima e Sarah Salgado responde pelo desenho de luz. Figurinos de Fábio Namatame.

Rafael Primot esbanja o seu talento na composição de Miguel, músico frustrado que preenche seus dias em atividades burocráticas e buscando no futuro apenas a estabilidade financeira. A partir do momento em que vai se relacionando com a senhora, Miguel desabrocha para uma nova visão de vida e Primot demonstra essa transformação de maneira muito bela.

E o que escrever sobre Miriam Mehler, a entidade teatral mais paulistana que se conhece? 

Pequenina, bonitinha, frágil só na aparência, Miriam brilha em nossos palcos desde o icônico “Eles Não Usam Black Tie” no Arena, passando por Polia em “Pequenos Burgueses” e a inesquecível Barblin em “Andorra” ambas no Oficina, isso apenas para citar o início de sua gloriosa carreira. Cabe lembrar também que foi ela que reformou e inaugurou o Teatro Paiol em 1971 com a peça “Abelardo e Heloisa” dirigida por Flávio Rangel. 70 anos de uma carreira irretocável. 

Agora Miriam é Vera Lucia, uma velha dama irreverente que nos cativa desde sua entrada em cena resmungando com o detector de metais na porta do banco. Detalhes como o remexer na bolsa e as reclamações sobre o mundo virtual fazem a delícia do público com sua interpretação.

Repito que a química de Miriam e Primot é algo realmente surpreendente que se coroa na cena em que eles dançam ao som de “Agora Só Falta Você”, sob os aplausos entusiasmados do público.

E é a letra da música de Rita Lee que ilustra a última cena da peça com a saída triunfal de Miguel e Vera Lúcia jogando fora todas as apostilas de preparação para os concursos que ele pretendia fazer:

“Um belo dia resolvi mudar
E fazer tudo o que eu queria fazer
Me libertei daquela vida vulgar
Que eu levava estando junto a você” 

PURA DELÍCIA!

IMPERDÍVEL 

 PROVA DE VIDA está em cartaz no TUCA até 13 de dezembro. Sextas e sábados, 20h30 / Domingos,17h.

08/11/2026

FÔLEGO

 

Quando Andréa Bassit recebeu (e aceitou) a proposta de Marcus Montenegro para escrever um texto em comemoração aos 90 anos de carreira de Nathalia Timberg, ela não tinha ideia do texto maravilhoso que iria resultar dessa ideia.

Andréa coloca em cena Rosa, uma senhora de 97 anos (a idade real de Nathalia), proprietária de um teatro decadente, repleto de dívidas, mas também de lembranças maravilhosas. Juliana (Carla Marins), uma sobrinha astuciosa e materialista luta para vender o espaço para uma igreja e Laura (Rita Elmôr), filha de antigos funcionários do teatro, está ao lado de Rosa na tentativa de manter aquele espaço como ícone teatral.

É a cultura vs. a barbárie, o espaço cultural vs. especulação imobiliária. Assuntos tão presentes em nossa cidade, com a destruição de tantos teatros por conta de política perversa e anticultural da atual prefeitura.

O texto de Andréa passa por essas questões graves, mas é revestido de muita ternura ao mostrar a relação de Laura com Rosa, cheia de lembranças de momentos significativos daquele teatro.

Um momento mágico do espetáculo acontece quando, sob uma iluminação suave, Laura espalha papeis relembrando espetáculos ali apresentados: “Um Panorama Visto da Ponte”, “Esperando Godot”, “O Pagador de Promessas”, “Pedreira das Almas” (a maioria deles contou com Nathalia no elenco em seus tempos no TBC!).

Conhecedora da história do teatro paulistano Andréa não deixa de fazer outras homenagens como relatar que Rosa e sua irmã Maria, que também era atriz, adquiriram um antigo cinema para transformar em teatro, clara referência àquilo que fizeram Nydia Licia e Sérgio Cardoso nos anos 1950.

De relato em relato a dramaturga construiu um texto que é uma delícia não só para os amantes de teatro, mas para todo o público que aprecia o bom teatro.

Escrito para Nathalia, o texto transcende essa homenagem para se tornar um dos mais belos e emocionantes escritos sobre o nosso teatro.

Clara Marins se reveste de toda antipatia necessária para interpretar a vilã Juliana, já Rita Elmôr transborda simpatia como a doce Laura; ambas o fazem com muito talento.

É claro que Nathalia é o foco das maiores atenções e é um privilégio assistir ao trabalho cheio de energia e de nuances dessa grande atriz quase centenária. Aplausos em cena aberta são espontâneos após ela cantarolar versos de “La Mer”. Uma verdadeira joia!

Ricardo Grasson dirige o espetáculo com as mesmas delicadeza e ternura com que Andréa escreveu o texto enfatizando o trabalho das três atrizes.

O cenário de Chris Aizner reproduz o teatro de Rosa e foi concebido para facilitar as caminhadas de Nathalia pelo palco. Cesar Pivetti assina o desenho de luz, propositalmente desordenado (as mudanças de iluminação parecem ser aleatórias, sem muito a ver com o que se passa em cena). Figurinos do Atelier Fabio Namatame.

Merecidamente as atrizes são ovacionadas ao final e Nathalia agradece os aplausos emocionada.

Tive a honra de presentear Nathalia com uma pastinha contendo ficha técnica, capa do programa e resenha que escrevi sobre os 14 espetáculos do TBC que ela participou de 1956 a 1961. 

FÔLEGO está em cartaz no SESC Santo Amaro até 13 de dezembro. De quinta a sábado, 20h / domingo, 18h.

            NEM PENSE EM PERDER, mesmo considerando que o SESC Santo Amaro é um pouco longe.

        03/11/2026

A ÚLTIMA VALSA DE ZELDA FITZGERALD

 

A arte tem de ter algo que me tira do chão e me deslumbra

(Ferreira Gullar) 

           Há um tesouro escondido no aconchegante teatro ºAndar e você só tem mais três oportunidades de descobri-lo. As últimas chances acontecem no próximo sábado (31/10) às 11h e 15h e no outro sábado (07/11) às 15h. Começo esta matéria por aquilo que normalmente vem escrito ao final porque INSISTO, este é um dos melhores espetáculos do ano e seria uma lástima alguém perdê-lo.

        A  personagem de Zelda Fitzgerald (1900-1948), que aparece por poucos minutos no filme "Meia Noite em Paris" (2011) de Woody Allen chamou a atenção da atriz Larissa da Matta. Esse interesse lhe conduziu a uma intensa pesquisa onde descobriu coisas sobre uma mulher fascinante; a partir daí ela e Pedro Amaral construíram a dramaturgia deste espetáculo que mostra a ascensão e queda de Zelda desde sua juventude marcada pela irreverência no Alabama, o encontro e posterior casamento com F. Scott Fitzgerald (1896-1940), os anos loucos e a era de ouro do jazz em Nova York, a fama, as bebedeiras, as brigas e as mútuas acusações do casal, a ida a Paris e depois à Riviera Francesa e a volta aos Estados Unidos onde apareceram os primeiros sinais de esquizofrenia até sua morte trágica em 1948 em  incêndio em  clínica onde ela estava internada. Muito bem construído, o texto flui suavemente na pouco mais de uma hora que dura o espetáculo.

        Ver Larissa da Matta em cena é um verdadeiro assombro. Com domínio corporal extraordinário ela executa performance de teatro-dança de tirar o fôlego do espectador mais insensível. Cabeça, tronco e membros estão ali para auxilia-la a nos contar a trajetória de Zelda, quer dançando a melindrosa, quer dialogando com Scott, ou mesmo sofrendo numa clínica psiquiátrica. Poucas vezes, nas minhas mais de 5.000 idas ao teatro, assisti a interpretação tão arrebatadora. Larissa, com apenas 28 anos, deverá estar na lista das revelações de 2026, ano em que temos interpretações femininas tão importantes como aquelas de Georgette Fadel em “Gota D’Água” e Drica Moraes em “InterAlia”.

        A encenação de Pedro Amaral, também um jovem de 29 anos, é outro trunfo desta montagem tão bem sucedida, toda ela centrada na interpretação de Larissa, mas também colaboram para o resultado final:

-  o cenário simples, mas muito bonito que consta de um biombo, uma poltrona (onde um imaginário Scott está sentado), uma mesinha e um lindo nicho em estilo art déco;

- os belíssimos figurinos que trazem a assinatura de Marcelo Leão; 

-  a trilha sonora repleta de jazz dos anos 1920/1930;

-  a iluminação precisa e

- as magnificas coreografias e preparação corporal da atriz realizadas por Ana Beatriz Trucharte.

O diretor assina a cenografia, a iluminação e a trilha sonora.

Pedro e Larissa

        Parafraseando Fernando Pessoa: “Tudo vale a pena, quando o talento não é pequeno” e o talento desses jovens é grande, estando nas mãos deles o futuro do nosso teatro; por isso é muito importante prestigia-los e conferir o que eles têm a dizer.

        Tenho consciência que este texto talvez esteja muito adjetivado, mas isso faz parte do entusiasmo e da surpresa com que eu assisti ao espetáculo.

        Urge que surjam novas temporadas para que o grupo possa continuar a apresentar toda essa beleza.

        ABSOLUTAMENTE IMPERDÍVEL!

        25/10/2026

  

SOPRO

 

            Recorrendo ao “Dicionário de Teatro” de Patrice Pavis: “O ponto ajuda os atores em dificuldade, falando em voz baixa, soprando, articulando bem, mas sem gritar, escondido na coxia ou em uma concha colocada no meio e na frente do palco... Ao observar os atores, o bom ponto deve saber antecipar o erro ou a dificuldade e interferir no momento exato”.

        Essa definição deveria estar no tempo passado pois essa função criada no século XVIII, hoje está extinta.

        Pode-se dizer que o ponto seria o bastidor dos bastidores do teatro.

        Pois é essa figura sempre invisível para o público que o dramaturgo português Tiago Rodrigues (1977) coloca em cena como protagonista da peça “Sopro”: Cristina Vidal, uma profissional de teatro que exerceu a função de ponto de 1978 até a sua extinção (a cena portuguesa foi uma das últimas a fazê-lo no mundo todo).

Na montagem dirigida pelo autor, “quase” assistida presencialmente em São Paulo em 2020 na MITsp (os teatros fecharam devido à pandemia da Covid dois dias antes da apresentação) era a própria Cristina que fazia o papel. A peça ficou disponível de maneira virtual durante algum tempo.

        Seis anos depois Marco Antonio Rodrigues traz à cena paulistana uma nova montagem com Noemi Marinho (sempre ótima) representando Cristina Vidal, a “ponto”. A novidade aqui é que apresentação é pontuada por canções compostas por Zeca Baleiro, na maioria das vezes vindas da bela voz de Amanda Acosta.

        Nesse belo exercício de meta teatro a “ponto” dialoga com o diretor (Dagoberto Feliz) que teve a ideia de montar uma peça com ela no papel principal. Surgem em cena a diretora de outras montagens (Amanda) e atrizes (Biah Ramos e Nada Rocco) e ator (Nicolas Trevijano) que apresentam cenas de montagens onde a “ponto” participou, entre elas “As Três Irmãs” de Tchekhov, “Antígona” de Sófocles e “Berenice” de Racine.

        O texto utilizado foi o original escrito em português lusitano e Marco Antonio optou para que o elenco falasse com esse sotaque, algo que nem sempre acontece com alguns dos intérpretes. Noemi, que tem grande parte das falas da peça, mantém o sotaque de ponta a ponta e marca mais um ponto em sua brilhante trajetória.

        O cenário da peça de autoria de Ulisses Cohn representa os bastidores de um teatro e é iluminado sempre com o toque poético de Aline Santini. Os figurinos levam a assinatura de Cassio Brasil.

O sopro da “ponto” Noemi, dirigido por  Marco Antonio é uma festa repleta de guloseimas teatrais para quem faz e para quem ama teatro, podendo também agradar bastante ao público em geral.

SOPRO está em cartaz no SESC 14 Bis de 22 de outubro a 15 de novembro. Quinta a sábado, 20h/Domingo,18h.

NÃO DEIXE DE VER! 

23/10/2026

FILUMENA MARTURANO

 

 

 1 -Um pouco de história

        O dramaturgo napolitano Eduardo De Filippo escreveu “Filumena Marturano” em 1946 no imediato pós segunda guerra numa Itália, em especial do Sul, devastada pela pobreza e pela fome. A peça foi escrita para sua irmã Titina. Em 1951 Eduardo dirigiu o filme sobre a peça com Titina como Filumena e ele como o seu companheiro Domenico.

        Em 1964 Vittorio De Sica dirige sua versão (“Matrimônio à Italiana”) tendo Sophia Loren e Marcello Mastroianni nos papeis principais.

        Em 1979 Laurence Oliver filma a peça com Joan Plowright e Frank Finlay.

        No Brasil a peça foi montada em 1988 no Rio de Janeiro com direção de Paulo Mamede tendo os saudosos Yara Amaral e José Wilker como protagonistas. Yara foi substituída por Nathália Timberg após sua trágica morte no réveillon de 1988/1989 com o naufrágio do Bateau Mouche na Baía de Guanabara.

                2 -A Filumena do TAPA

Esta Filumena só podia dar certo! 

Como que o ótimo texto de Eduardo De Filippo sob a direção sempre precisa de Eduardo Tolentino, interpretado por um elenco de ouro e com a produção sempre cuidadosa de Mauricio Inafre poderia dar errado?

NUNCA!

O comerciante Domenico conheceu Filumena em um bordel e eles vivem juntos há 25 anos. Ao saber que ele pretende se casar com uma jovem, ela finge estar à beira da morte pedindo como último desejo que ele se case com ela.

A peça inicia quando Domenico descobre as artimanhas que Filumena armou para que ele se casasse com ela e dá margem aos primeiros momentos hilários da peça quando os criados da casa Alfredo (Walter Breda) e Rosália (Maria do Carmo Soares) quase roubam a cena com suas reações mudas às imprecações de Domenico (André Garolli) e as reações não menos intempestivas de Filumena (Sandra Corveloni).

O elenco formado pelo imenso talento desse quarteto muito bem acompanhado pela criada Lucia (Mari Teixeira), pelos três filhos de Filumena (Ivan Nóbrega, Felipe Souza e Ruiz Angellus), pelo advogado (Daniel Volpi) da amante Diana (Luisa Ferrari) de Domenico garante o humor reinante durante toda a duração da peça dirigida com o habitual esmero de Eduardo Tolentino de Araujo. Poucas vezes se vê elenco tão uniforme na qualidade do desempenho.

Não há como não destacar mais uma vez o brilhantismo de André e Sandra e a garra com que defendem suas personagens.

Momentos como aquele em que Domenico bate a cabeça de Lucia na cristaleira e outro em que ele escorrega no tapetinho da sala enriquecem ainda mais essa gostosa comédia napolitana.

Sandra tem outros momentos memoráveis como Filumena, ora cantando “canzonetas” napolitanas, ora relembrando a sua origem pobre e difícil e ainda quando enfrenta com energia o machismo de Domenico.

Como toda produção com a marca TAPA há muito cuidado com a cenografia (Flavio Tolezani), com a iluminação (Wagner Pinto) e com os figurinos (Mariana Baffa).

O bem-vindo programa impresso contém textos e belas fotografias de Ronaldo Gutierrez.

Trata-se de uma comédia popular muito engraçada e bem realizada que agradará em cheio o público frequentador do Teatro do SESI. Excelente como formador de público, porque quem vai ao teatro perla primeira vez e assiste a espetáculo tão delicioso como esse vai querer voltar.

Com todo esse humor a peça não deixa de fazer uma crítica severa ao patriarcado e revelar a capacidade da mulher de reagir e enfrentar o ambiente machista.

FILUMENA MARTURANO está em cartaz no Teatro do SESI até 20 de dezembro de quinta a sábado, 20h e domingo, 19h. Ingressos gratuitos.

ABSOLUTAMENTE IMPERDÍVEL! 

18/10;2026