MASSAPÊ

 

No belo programa impresso da peça, o ator Antônio Chapéu declara: “O que nóis quer mesmo é falar de nóis. É só deixar que nóis fala. Viva a cultura e os saberes populares. Viva o Massapê” e é com essa simplicidade e até certa humildade que ele nos conta a saga da sua família (Silva) que migrou do interior de Minas Gerais para trabalhar nos canaviais de Piracicaba.

A pesquisa das lembranças e memórias dos cortadores de cana realizada pelo “Grupo Andaime”, do qual Chapéu é um dos fundadores, foi a base para Solange Dias criar a dramaturgia do espetáculo que flui cenicamente com Chapéu contando de maneira saborosa os causos reais e inventados que são intercalados com as canções criadas por Juh Vieira tocadas por ele, Marcos Coin e Dicinho Areias.

A encenação de Rogério Tarifa preserva a singeleza da concepção de Chapéu no cenário criado por ele e Diego Dac que contém elementos da natureza como água e um tapete de massapê, o solo escuro propício para o cultivo de cana, que dá título ao espetáculo. O ambiente é enriquecido com os adereços de Luana Miyamoto, muito importantes para o desenvolvimento da trama. A iluminação da cena é assinada por Marisa Bentivegna.

Massapê me parece um “Amarcord” caipira realizado com muito amor por Chapéu, Tarifa, Vieira e todo o Grupo Andaime que leva o público a sentir na boca um gostinho de café com bolo de fubá servido por Dona Mariana, mãe de Chapéu, em um fim de tarde ensolarado de Piracicaba. Não deixa de haver também um gosto amargo de indignação ao se ouvir as denúncias de racismo e do tratamento de alguns familiares como escravos.

Pouco antes do final do espetáculo parentes do ator são convidados a entrar em cena e aí a emoção transborda tanto no palco como na plateia.

A noite de estreia (28/05) foi coroada com a presença de dois irmãos e uma fofinha irmã de 86 anos que cantaram junto com Chapéu a última canção da peça.

Mais um gol de Tarifa em sua defesa e preservação do teatro de grupo. Muito louvável a atitude do Andaime de convida-lo para dirigir “Massapê” que comemora os 40 anos do grupo.

MASSAPÊ está em cartaz no SESC Belenzinho até 14/06 às sextas e sábados às 19h e aos domingos às 16h

 

29/05/2026

 

QUARTO 2107 – A NOITE QUE O SEGREDO BATEU À PORTA

 

       O cartaz dessa peça dá a entender que se trata de mais uma peça gay como tantas outras que estiveram (ou ainda estão) em cartaz nos palcos paulistanos nos últimos meses (Brokeback Mountain, Marginal Genet, Romeu e Romeu, Homem Que É Homem Não Chora, Meu Garoto, Tenente Seblon), mas o enfoque aqui é bastante diverso.

       A dramaturgia de Arthur Pires coloca dois homens em um quarto de motel em uma situação relativamente banal sem conflitos onde o mais velho, de fachada hetero e pai de família, se encontra com um experiente garoto programa para uma tarde de sexo efêmero sem maiores consequências.

Por recurso narrativo presente na teoria do drama (“coup de théâtre”) o autor introduz um conflito na segunda parte da peça, que irá alimenta-la até o fim da mesma. Por motivos óbvios “anti-spoiler”, não cabe indicar aqui qual é esse conflito, bastando escrever que ele altera por completo a relação dos dois homens levando inclusive a mudanças de rumo em suas vidas para além do quarto 2107.

       A montagem de Rodrigo Ferraz conduz essa trama discretamente com foco nas interpretações de Alexandre Acquiste (o homem) e Bruno Gadiol (o garoto de programa). Os atores respondem com dignidade às questões abordadas pela peça em interpretação naturalista que jamais envereda para o melodrama.

As cenas de sexo são bem resolvidas sem jamais resvalar para a nudez explícita, o erótico apelativo e o mau gosto, algo muito comum nesse tipo de espetáculo.

O toque feminino de Kyra Piscitelli na assistência da direção com certeza colaborou para a elegância e a discrição do resultado final.

A palavra digna pode muito bem ser utilizada para adjetivar essa montagem em cartaz no Espaço Parlapatões.

 

26/05/2026

      

 

12º ROUND – A HISTÓRIA DE EMILE GRIFFITH

 

Ambientes conservadores como o futebol, os esportes em geral e até o meio religioso costumam negar que neles há homossexualismo, mas a realidade já se mostrou bem diferente.

Em boa hora vem à tona a história de Emile Griffith (1938-2013), um caso perverso de cancelamento por preconceito sofrido por esse boxeador pelo fato de ser homossexual em um meio machista e conservador como o box nas décadas de 1950 e 1960 onde preconceitos e censura eram ainda mais  acirrados do que nos dias de hoje, mesmo assim o nome de Emile Griffith ainda parece ter sido apagado da história do esporte, como reforça o diretor do espetáculo, Bruno Lourenço, no release da peça; “Um campeão mundial praticamente apagado do nosso imaginário por homofobia. Como é possível que saibamos tanto sobre Muhammad Ali, Pelé, Michael Jordan e quase nada de Griffith?”, daí a importância do resgate idealizado pelo ator Fernando Vitor, dramatizado por Sérgio Roveri e trazido a cena pelo recém criado “Coletivo Nocaute” com direção de Bruno Lourenço.

No cenário concebido por Maira Souto e Natália Burger, um ringue de box divide o vestiário e uma sala onde acontecem várias cenas. A iluminação é assinada por Ariel Rodrigues.

O texto de Roveri percorre a trajetória de Griffith em rounds, terminando no 12º em 1962, onde o boxeador nocauteou seu adversário – aquele que o havia agredido verbalmente, chamando-o de bicha e viado - com tal violência que resultou na morte do sujeito dez dias após a luta. Essa morte causou remorso a Griffith durante muitos anos.

A encenação de Bruno Lourenço é pop, pondo o elenco a coreografar “dance music” em vários momentos, suavizando a aridez do tema. Cabe notar a ótima trilha sonora a partir de sucessos da época.

Fernando Vitor tem físico e preparo técnico no box para interpretar Griffith com muito vigor e paixão. Alexandre Ammano, que já brilhou em “O Avesso da Pele” e “A Máquina”, volta a fazê-lo nos papeis do amante e do adversário cubano. Letícia Calvosa empresta sua bela figura às diversas personagens femininas da trama.

Após temporada no SESC Ipiranga em 2025, o espetáculo está de volta em bem-vinda temporada no TUSP – Maria Antônia de quinta a sábado às 20h e aos domingos às 19h. Ingressos gratuitos.

 

24/05/2026

NA ANATOMIA OCA DOS PÁSSAROS

 

Fotos de Guto Muniz

“A arte tem de ter algo que me tira do chão e deslumbra”

(Ferreira Gullar) 

Inicio esta matéria com um chavão: a sensibilidade à flor da pele das duas euritmistas que abrem o espetáculo é transmitida de imediato para o público que acompanha deslumbrado a evolução da cena.

Este escrito pode parecer exagerado, mas poucas vezes em minha longa trajetória como espectador tive essa sensação de deslumbramento a que se refere Ferreira Gullar na frase em epígrafe.

        O mote da peça de Dino Bernardi é o dilema e o remorso de Santos Dumont diante do uso bélico e destruidor de sua invenção. As divagações do inventor são ditas de maneira solene por Fernando Aveiro, provando sua versatilidade, haja vista sua composição gaiata e extrovertida em “Lokona” (ainda em cartaz no mesmo espaço).

        Leigo no assunto recorri ao Google na definição suscinta de euritmia: “Ela tem como objetivo tornar visível através do corpo aquilo que normalmente apenas ouvimos; traduzindo ritmos, melodias, vogais e consoantes em gestos.” e isso realmente se torna visível nas impressionantes performances de Marília Barreto e Renate Nisch, algo bastante distinto de uma coreografia para ballet ou da expressão corporal de atores em peças de teatro. Fica difícil traduzir em palavras, mas é diferente e extremamente sensitivo.

        O diálogo cênico entre o gestual das euritmistas, os sons sofisticadíssimos compostos por Marcelo Petraglia e executados ao vivo por Luis Antonio Ramoska (fagote) e Saulo Camargo (percussão) e as intervenções de Fernando Aveiro como Santos Dumont é indescritível.

        Somam-se à beleza da encenação de Dino Bernardi, os objetos de cena criados por ele e Cesar Rezende e a iluminação de Thiago Capella.

        Nem sempre a soma de tantos talentos resulta em algo poderoso e belo, mas neste caso está mais que provado que dois mais dois é muito mais que quatro.

        Só vendo! Só vendo!

        Vejo no release que este espetáculo data de 2019 e fico muito surpreso que nesses sete anos não tenha tido a repercussão merecida por parte da crítica nos palcos paulistanos.

        Ainda há tempo dos sensíveis de plantão degustarem esta obra prima no Teatro Manás Laboratório até 29 de maio, com sessões de quarta a sexta às 21h.

 

        23/05/2026       

 

 

SETE MINUTOS

 

“Antes de começar o espetáculo temos de nos lembrar

de que na sala há algumas pessoas para quem essa é

a primeira experiência teatral e outras para quem essa

será a última.”

(Ariane Mnouchkine) 

O texto de Antonio Fagundes é uma declaração de amor ao teatro e ao respeito e interação que deve haver entre o elenco e o público.

Os primeiros quinze minutos da peça mostram o incômodo e até a revolta da personagem do velho ator (Norival Rizzo) que representava MacBeth e interrompeu o espetáculo diante das atitudes do público como querer entrar atrasado na plateia após o espetáculo já ter iniciado, desembalar bala ruidosamente, atender o celular, se espreguiçar e até tirar os sapatos. Ele expõe seus sentimentos para um jovem ator (Conrado Sardinha) e para a produtora (Natália Beukers) que tentam pôr panos quentes na situação.

Como todo espectador que também vê o teatro como um espaço sagrado, não há como não se solidarizar com as queixas do ator.

Esses quinze minutos são o cerne da peça de Fagundes e sua parte mais brilhante, depois disso a ação apresenta a reação do público diante da interrupção do espetáculo pelo ator, entrando em cena uma mulher queixosa que chegou um minuto atrasada e foi impedida de entrar (Ana Andreatta), um senhor que vinha a um “show-teatro” pela primeira vez e viu o mesmo interrompido (Walter Breda) e um guarda (Fábio Esposito) que vê como missão descobrir se é o público ou o ator quem está com a razão. Esta segunda parte recai em uma comédia sem trazer maiores novidades para a trama, além de incluir cenas que parecem estar ali para aumentar a duração da peça, como as digressões do ator sobre a origem do teatro (Tespos), a história sobre um espetáculo de Martha Graham onde uma senhora do público chorou copiosamente contada pelo jovem ator e o longo monólogo do velho ator quase ao final do espetáculo, que resvala para uma melodramaticidade desnecessária.

A jovem Natália Beukers mostra-se corajosa e eficiente ao produzir o espetáculo contando com importantes profissionais como Fábio Namatame (cenário e figurinos), Domingos Quintiliano (design de luz), Jonatan Harold (música original e sonoplastia) e o próprio Antonio Fagundes na direção.

Os veteranos Norival Rizzo e Walter Breda (este apesar da pequena participação) brilham em cena e estão muito bem acompanhados pelos jovens Conrado Sardinha e Natália Beukers. Completam o elenco Fábio Esposito que exagera na truculência do policial e Ana Andreatta numa engraçada composição como a mulher estressada.

É importante mostrar no teatro o imediatismo que hoje existe onde as pessoas não têm mais paciência de ler um longo texto, ou de assistir uma obra mais longa, seja no cinema ou no teatro, sem consultar o celular para saber se a empregada já deu semente de girassol para o papagaio. Que a peça sirva de lição para aqueles que assim agem.

Teatro é um solo sagrado, vamos respeitar!! 

SETE MINUTOS está em cartaz no Teatro Cultura Artística até 1º de agosto. Sexta e sábado 20h / Domingo 18h

IMPERDÍVEL PARA QUEM AMA O TEATRO!

21/05/2026

SIMPLESMENTE EU, CLARICE LISPECTOR

 

BETH CONTA CLARICE EM TEMPO DE DELICADEZA

 

        Intercalando falas de Clarice Lispector com trechos de suas obras, Beth Goulart construiu a dramaturgia deste raro recital onde a atriz apresenta a biografada com muita sensibilidade e delicadeza.

        A prosa de Lispector é cheia de nuances e filigranas, nem sempre detectadas em um primeiro contato; Beth consegue a proeza de traduzir essa prosa, que também é poesia, de forma clara e precisa embalando o público no universo “lispectoriano”.

        O cenário muito claro de Ronald Teixeira e Leobruno Gama é composto de uma enorme cortina de tiras que ocupa toda a volta do palco, uma cadeira e um sofá e é belamente iluminado com o usual talento de Maneco Quinderé.

        Dias atrás comentei sobre a problemática solução encontrada em um espetáculo, para a troca de figurinos das atrizes. Neste trabalho a troca de figurinos de Beth é uma verdadeira obra de arte. Sutilmente ela se dirige a um ponto da cortina e deixa elementos, retirando outros que elegantemente veste em cena sem quebrar o clima de encantamento.

        Beth Goulart é uma grande atriz que honra a herança recebida de seus pais Nicette e Paulo e é com muito talento que ela interpreta e dirige esse belíssimo espetáculo que tem supervisão artística de Amir Haddad. É muita gente boa reunida!!

        Esse trabalho foi concebido e apresentado há 17 anos, quando ganhou vários prêmios e o bonito, é que ele mantém o frescor e a mesma qualidade da estreia.

        A peça está em cartaz no Teatro Moise Safra (não confundir com o Teatro J. Safra) com capacidade para 420 espectadores e estava completamente lotado na sessão de ontem (16/05), onde as 420 pessoas presentes ovacionaram emocionadas a apresentação de Beth, que ao final ainda reforçou as ideias de Clarice e as suas próprias sobre a importância do amor, da espiritualidade e da humanidade na vida dos seres humanos.

        Grande lição de vida a ser prestigiada por todos aqueles que, como dizia Anne Frank, apesar de tudo ainda acreditam na bondade humana.

        Em cartaz até 13/06. Sessões sexta, 20h / sábado e domingo, 19h.

        17/05/2026

 

 

       

AS CENTENÁRIAS

 

        1 – A primeira montagem

Em 2009, apesar da excelência do autor (Newton Moreno), do diretor (Aderbal Freire Filho) e das atrizes (Andrea Beltrão e Marieta Severo) para mim algo não funcionou e sai do espetáculo frustrado quando vi a expectativa de ver esse quarteto de ouro não ser correspondida. O espetáculo fez muito sucesso e agradou a maioria das pessoas e, talvez, eu não estivesse em um bom dia para usufruir do mesmo. 

2 – Pura delícia

Quase dezessete anos depois Juliana Linhares teve a ideia de fazer um musical com a peça e o resultado é essa delícia ora em cartaz no SESC Bom Retiro.

Chico Cesar musicou letras escritas por Moreno, escreveu algumas letras e aproveitou “incelenças” que já constavam do original e o resultado é uma bela partitura muito bem dirigida e arranjada por Elisio Freitas. Um quarteto de músicos acompanha toda a encenação.

O texto de Moreno parece ter ganho um frescor com o reforço na gaiatice das personagens, algo muito valorizado por Laila Garin (Socorro), Juliana Linhares (Zaninha) e o músico Leandro Castilho em diversos papeis. Ariano Suassuna e João Cabral de Melo Neto são referências muito bem-vindas nesta obra do dramaturgo e não há como não lembrar de João Grilo e Chicó na relação e nas atitudes das duas carpideiras, assim como na aparição de Nossa Senhora em “O Auto da Compadecida” na hilária cena em que Socorro se veste de Deus para salvar Zaninha da morte. Longe de imitação, trata-se de inspiração que valoriza ainda mais a obra desse grande autor.

Luiz Carlos Vasconcelos, diretor do memorável “Vau de Sarapalha”, mais uma vez acerta acentuando o humor do texto e valorizando o trabalho do elenco, auxiliado pela parte musical já citada acima, pela movimentação das atrizes orquestrada por Vanessa Garcia, pela cenografia discreta, mas eficiente de Aurora dos Campos, iluminada por Elisa Tandeta e os figurinos (Kika Lopes e Heloisa Stockler), incluindo os crochets de Juliana Martins.

Se há um senão, e sempre há um senão, fica por conta das mudanças de figurino das atrizes de uma cena para outra, sempre realizadas da mesma forma com elas na penumbra, enquanto o conjunto toca uma música até elas estarem prontas e entrarem em cena novamente. Essas interrupções quebram momentaneamente o encanto do espetáculo e talvez pudessem ser realizadas de forma mais criativa.

O teatro brasileiro fica em festa com um espetáculo como esse, sentindo-se forte e valorizado.

Viva o teatro brasileiro! 

AS CENTENÁRIAS está em cartaz no SESC Bom Retiro até 14 de junho de quinta a sábado às 20h e domingos às 18h.

O teatro é pequeno para comportar espetáculo tão bom e de forte apelo popular, por isso CORRA para adquirir o seu ingresso.

15/05/2026