domingo, 24 de setembro de 2017

PALAVRA DE STELA


      Personagens com perturbações mentais sempre proporcionaram memoráveis interpretações para atores de talento, haja vista Rubens Corrêa em Diário de Um Louco (1965), todos os atores que representavam os internos do hospício de Charenton em Marat-Sade (1967), Dani Barros em Estamira (2012) e no cinema Giulietta Masina como a inesquecível Gelsomina de La Strada (1954) de Fellini. Agora é a vez de Cleide Queiroz brilhar com sua impressionante atuação em Palavras de Stela.
              A concepção deste espetáculo se assemelha àquela de Estamira. Tanto Dani Barros como Cleide Queiroz tiveram mães psicóticas e as montagens mesclaram fatos da vida e do modo de ser das personagens Estamira e Stela com acontecimentos vividos pelas atrizes. O resultado em ambos os casos é impactante e comovente.
         A encenação de Elias Andreato está calcada apenas em dois pontos: a atriz e a iluminação; esta última consegue captar situações diversas como os estados de espírito de Stela e as cenas de eletrochoque. O desenho de luz é tão vital para o espetáculo que só podia ter sido concebido pelo próprio diretor. Todos os outros elementos de cena (cenário, figurinos, adereços e trilha sonora) colaboram para o bom resultado final.
        A julgar pelos programas disponíveis Cleide Eunice (era assim seu nome artístico na época) estreou profissionalmente em 1969 na montagem de Silnei Siqueira para Morte e Vida Severina produzida e interpretada por Paulo Autran (não confundir com aquela do TUCA em 1965). 

Foto do programa de Morte e Vida Severina (1969)

        A presença de Cleide não foi muito constante nos palcos paulistanos nesses quase 50 anos, sendo que seu trabalho mais lembrado e importante foi a Joana de Gota D’Água (2001) dirigida por Gabriel Villela. Em Palavra de Stela a atriz tem oportunidade de mais uma vez mostrar todas as nuances de seu imenso talento alternando momentos de quase ferocidade com outros de calmaria mostrando assim a instabilidade emocional de Stela do Patrocínio. Dona de bela e potente voz Cleide se dá ao luxo de nos comover por duas vezes ao cantar Estrela do Mar que ela traduz ao final para “Stela do ar”, fazendo lembrar outra “louca” chamada Ismênia, imortalizada no poema de Alphonsus de Guimaraens: Sim! Cleide, apesar de seu corpo, flutua divinamente no belo espaço criado por Mira Haar. Uma das grandes interpretações do ano!

        PALAVRA DE STELA está em cartaz até 29/10 no Teatro Núcleo Experimental às sextas (21h30), sábados (21h) e domingos (19h).

        Ah! O programa é lindo, com ilustrações de Roberto Alencar e simpáticos agradecimentos a Artaud, Castro Alves e Fernando Pessoa, entre outros.

24/09/2017
       


sábado, 23 de setembro de 2017

PEDRAS AZUIS


        Pedras Azuis (nome fictício?) é um vilarejo situado no sertão nordestino que leva esse nome, pois surgiu quando sertanejos vieram explorar a terra que continha preciosa pedra azul. “As pedras acabaram, mas os habitantes e os problemas ficaram”, revela uma das personagens da peça homônima. O vilarejo sofre com a seca e Antero, um dos habitantes, sobrevive transportando água de local distante cerca de 200 km com seu carro pipa. Antero é casado com Diana, mulher submissa, portadora de defeito físico e, segundo ele, “atrasadinha no raciocínio”. Acontece que o governo resolve trazer um caminhão pipa mais moderno, fato que inviabilizará o sustento da família. Aí começam os problemas de Antero e também a ação da peça escrita e dirigida por Márcio Mecena ora em  cartaz na cidade.
        O texto bem estruturado e escrito nos padrões da dramaturgia tradicional conta uma história com começo, meio e um fim que é deduzido pelo espectador, mas não explicitado em cena. A peça traz para o sertão brasileiro trama inspirada em 27 Carros de Algodão de Tennessee Williams, mas tem, ao meu modo de ver, uma grande diferença no comportamento da protagonista Diana, em relação à Flora da peça de Williams.  A direção do próprio autor tem grande apoio no simples, mas bastante funcional cenário, este, por sua vez, inundado pela bela iluminação de Cesar Pivetti e Vânia Jaconis. A trilha sonora escolhida por Felipe Roseno e Frederico Puppi com canções de prévio conhecimento encaixa-se perfeitamente ao ambiente da peça.
        Neto Mahnic, apesar de seu aspecto sulino, encarna com muita propriedade o nordestino Antero e Annelise Medeiros comove com a perplexidade e aparente fragilidade de Diana não esquecendo em nenhum momento de exteriorizar o defeito físico da personagem. Emanuel Sá completa o elenco como Lívio, o homem “civilizado” que veio esclarecer o acidente ocorrido na cidade.
        Pedras Azuis é espetáculo que deve ser prestigiado por contar uma boa história, com bons intérpretes e por denunciar os abusos e violências sofridos pela mulher neste mundo de meu Deus.
        PEDRAS AZUIS está em cartaz no Viga Espaço Cênico às quartas e quintas às 21h até 16/10/2017.

23/09/2017

        

quarta-feira, 20 de setembro de 2017

CERBERA


        Em cenário onde dramaturgos aparecem e desaparecem como cometas com a encenação de apenas uma obra, louve-se o surgimento de Carol Rainatto que no período de um ano tem três textos encenados pela Cia. do Ruído. Em 2016 foi a vez de Oito Balas e Meia Noite, Feliz Natal e agora Cerbera que completa a trilogia. O que torna o fato mais louvável é a ousadia da autora em inovar tanto no tema (a hipocrisia da classe média) como na forma (enquanto mantinha certa linearidade em Meia Noite, Feliz Natal, em Cerbera busca novos caminhos criando cenas não cronológicas e abrindo o espetáculo com significativos monólogos de cada uma das personagens, ouvidos de forma estranha, mas que vão se esclarecendo à medida que a ação se desenvolve).
        Cerbera é planta altamente tóxica e venenosa. Ela é considerada a arma do crime perfeito, pois o componente químico fica indetectável após o envenenamento. Metáfora perfeita para as intenções da peça.
        Obsessões ao alcance de todas as personagens parece ser o lema da dramaturga: Martin (Rodrigo de Castro) é um rapaz introvertido que adora se travestir; sua mãe Helena (Ynara Marson) é alcoólatra, apanha do marido e tem tendências homossexuais; Paulo, o marido (Rodrigo Frampton) é meio tarado e coça o saco permanentemente; Clara (Victoria Blat) é uma professora de piano reprimida que assedia sexualmente o aluno Martin; finalmente Cecília (Carol Rainatto) é uma garota fútil com tendências ninfomaníacas. São essas personagens que Carol põe em cena de forma cruel para mostrar a falsa moral da classe média brasileira. Não há dúvida que há um toque de Álbum de Família de Nelson Rodrigues.
        A direção de Elias Andreato carrega na dramaticidade resvalando, propositalmente, para o melodrama em muitos momentos. O cenário de Diogo Monteiro e os figurinos de Ananda Sueyoshi reforçam a decadência das personagens.

Rodrigo de Castro, Ynara Marson, Carol Rainatto, Rodrigo Frampton e Victoria Blat

        Victoria Blat empresta autoridade para sua professora de piano e tem bons momentos nos embates com Helena, interpretada por Ynara Marson. Rodrigo de Castro consegue mostrar as nuances de sua personagem. Rodrigo Frampton não distingue os momentos de cólera com os de sua obsessão por Cecília, algo que pode ser sanado ao longo da temporada. Ousada também é a participação da autora como a garota Cecília, sua inflexão de voz, a princípio estranha, depois se incorpora à tresloucada personagem.
        CERBERA está em cartaz no Espaço Parlapatões às quintas e sextas às 21h até 27 de outubro.

20/09/2017
       
       

        

segunda-feira, 11 de setembro de 2017

ANTÍGONA



CINCO RAZÕES PARA ASSISTIR ANTÍGONA

        1 - A peça é representada na íntegra, fato que há muitos anos não ocorria nos palcos paulistanos. O autor Sófocles (496 A.C. / 406 A.C.) e o público agradecem.
        2 – A versão de Celso Frateschi tem elegante tom coloquial sem, no entanto, vulgarizar as falas.
        3 – O espaço cênico está muito bem estruturado consistindo de uma plataforma com poltronas de ambos os lados onde os espectadores se acomodam tendo o olhar ao mesmo nível daqueles dos atores. Os atores ainda atuam nas laterais da plataforma, assim como em andar mais elevado. A aproximação entre atores e público dá um ar de cumplicidade entre ambos.
        4 - A discreta direção de Moacir Chaves utiliza da melhor forma o espaço cênico, a bela iluminação e a movimentação dos atores.
        5 - A distribuição das personagens entre os três atores é muito boa. Celso Frateschi encarrega-se de Creonte; Naruna Costa responde pela personagem título, além de Ismênia e Eurídice; Pascoal da Conceição toma para si o restante das personagens (o guarda, o mensageiro, o jovem Hemon e o velho Tirésias). Os três atores representam o coro dos anciãos. Todos ótimos, com destaque (pela surpresa) para Naruna Costa, que já esteve ótima como Elza Soares em Garrincha de Bob Wilson e que aqui mostra sua competência para a tragédia, além de ser muito bonita. Celso Frateschi e Pascoal da Conceição não precisam provar nada e minha única observação vai para o tom histérico e nervoso que Pascoal imprime a Tirésias (com o conhecimento e sapiência que tem, o velho profeta não necessitaria de tantos gritos para expor suas ideias).

Foto de Gisela Schlogel

        Texto, direção e interpretação - a tríade essencial para um bom espetáculo - estão aqui muito bem representados. Some-se a isso a significativa trilha sonora de Daniel Maia, a já citada iluminação de Aurélio de Simoni e os figurinos de Sylvia Moreira. Como se vê há bem mais que cinco razões para assistir a este importante trabalho.

        E o cordão dos anciãos continua mais prudente do que nunca e com o rabo entre as pernas! Alguma semelhança?

        ANTÍGONA está em cartaz no Ágora Teatro de quinta a sábado às 21h e domingo às 19h. Toda sexta feira, após a apresentação, haverá debate coordenado por Welington Andrade e com a participação do elenco.


10/09/2017

sábado, 9 de setembro de 2017

CANÇÃO DENTRO DO PÃO


        O intelectual Raimundo Magalhães Junior (1907-1981) foi influente homem de teatro como dramaturgo e tradutor. Suas peças fizeram bastante sucesso quando encenadas nas décadas de 1940 e 1950. Canção Dentro do Pão é de 1953 e foi dirigida e protagonizada por Sérgio Cardoso (Jacquot), tendo no elenco Nydia Licia (Jacqueline) e Leonardo Vilar (Finot).

Montagem de 1953

         Com o advento da “modernização” do teatro, essa e muitas obras do gênero foram esquecidas. Ao que se sabe a peça nunca mais foi montada nos últimos 60 anos e, no entanto, tem fôlego para falar aos tempos atuais como prova a bela montagem dirigida por Bete Dorgam para o CPC-UMES.
        O texto padece de certa ingenuidade própria das peças da época, no entanto é engenhoso ao ligar a trama à revolução francesa e à famosa fala “Ça ira”, algo como “Agora a coisa vai”, proclamada pelos revolucionários para derrubar a monarquia e a aristocracia. O momento que o Brasil vive é digno de um “ça ira” por parte da população, cada vez mais saturada de tantas falcatruas da escória que “dirige” o país. Outra característica que aproxima a peça aos dias de hoje é que as personagens se não são imorais (Finot) são no mínimo amorais (Jacqueline e o próprio Jacquot que muda de lado conforme a ocasião)
        A montagem de Bete Dorgam é fiel ao original e enriquecida com as músicas criadas por Marcus Vinicius de Andrade e Léo Nascimento que servem tanto para ilustrar as cenas, como para distrair o espectador nos dois entreatos (originalmente a peça tem três atos). O simpático cenário de Caio Marinho, assim como os bolos criados por Vanessa Abreu remetem à ingenuidade da época, assim como os significativos figurinos de Atílio Beline Vaz. Louve-se em tudo isso os visíveis cuidados com a produção do espetáculo, apesar dos prováveis poucos recursos disponíveis.

Foto de Marcelo Kahn

        Do elenco, saem-se bem João Ribeiro como o patético Finot e Ricardo Koch Mancini como o inspetor Jean. Rafinha Nascimento incumbe-se do ajudante surdo, do ajudante do inspetor e ainda do cantor/narrador. Rebeca Braia (muito bonita e lembrando uma jovem Maria Della Costa morena) tem bons momentos como Jacqueline, mas exagera nas caretas e nas “corridinhas”. O destaque fica com Pedro Monticelli (Jacquot) que tem excelente tempo de comédia dosando muito bem o gestual e o vocal e banhando todo o espetáculo com bem vindo toque clownesco que não nega a influência da sempre palhaça Bete Dorgam. 
        Canção Dentro do Pão é espetáculo digno que fala ao espectador de hoje, além de diverti-lo. Isso não é pouco! Em cartaz no Teatro Denoy de Oliveira às sextas e sábados às 21h e aos domingos às 19h.


09/09/2017

terça-feira, 29 de agosto de 2017

TCHEKHOV É UM COGUMELO


        Tempo de delicadeza. Tempo de singeleza. Tempo de beleza. Tempo, tempo, tempo...

         1900, ano em que Tchekhov escreve As Três Irmãs.

Olga Knipper e Tchekhov em 1901, ano da estreia de "As Três Irmãs" em Moscou.


        1972, ano em que o Grupo Oficina monta a peça por apenas alguns dias. (tive o privilégio de assistir a essa montagem, que tinha ar bastante melancólico e triste).


        1995, ano em que Zé Celso Martinez Corrêa dá histórica entrevista para um grupo de estudantes de teatro sobre a montagem de 1972.


       2017, ano em que André Guerreiro Lopes (um dos entrevistadores de 1995), reúne tudo isso em uma delicada viagem pelo tempo e que resulta em dos mais belos espetáculos presentes em nossa cena: TCHEKHOV É UM COGUMELO.


        Em 2010 quando assisti a Ilhada Em Mim escrevi:Eu queria ter veia poética para poder traduzir com palavras adequadas todas as sensações que tive ao assistir Ilhada em Mim. A encenação de André Guerreiro Lopes é absolutamente sensitiva e fica difícil escrever sobre ela de maneira racional.” A mesma sensação eu tive ao ver O Livro da Desordem e da Infinita Coerência (anterior a Ilhada Em Mim, mas que vi posteriormente) e eis que ela novamente se repete com este belíssimo Tchekhov É Um Cogumelo! André tem o dom de transformar poesia em ato cênico.
        O espetáculo, bastante complexo, coloca em cena literalmente o que se passa no cérebro do encenador mixando de forma extremamente harmoniosa os tempos citados acima. Um ato de “esculpir o tempo” como informa o belo e informativo programa.
        A mais que lúcida entrevista de Zé Celso serve como guia para o espetáculo sendo intercalada com cenas de As Três Irmãs onde Olga, Irina e Masha são representadas com muita sensibilidade por Helena Ignez, Djin Sganzerla e Michele Matalon e as canções são lindamente cantadas por Roberto Moura. Samuel Kavalerski e Fernando Rocha completam o harmonioso elenco.  A iluminação de Marcelo Lazzaratto e a trilha sonora de Gregory Silvar embalam suavemente toda a encenação e não contente em esculpir o tempo, Guerreiro Lopes esculpe também o lugar nos trazendo da longínqua Rússia do início do século 20 para as ruas de São Paulo de 2017 por meio da surpreendente participação do Grupo Embatucadores. É muita emoção para um espetáculo só!
             A peça também comemora os dez anos do Estúdio Lusco-fusco, a companhia teatral criada por Djin Sganzerla e André Guerreiro Lopes.
        Cada um à sua maneira, Tchekhov É Um Cogumelo e Boca de Ouro (direção de Gabriel Villela, em cartaz no Tucarena) são, na forma, os dois mais belos espetáculos em cartaz na cidade, além, obviamente, da qualidade de seus conteúdos.
        TCHEKHOV É UM COGUMELO está em cartaz no Teatro Anchieta até 08/10/2017 às sextas e sábados às 21h e aos domingos às 18h.
        IMPERDÍVEL!!

27/08/2017

       
       
       





domingo, 27 de agosto de 2017

ESPERANDO VISITAS



PREÂMBULO:
        Considerando o ano de 2017 até agosto, em média, aconteceram em São Paulo 57 estreias e reestreias de peças de autores nacionais por mês. Um total de 456 títulos entrou em cartaz na cidade, sem considerar espetáculos de autores estrangeiros, stand ups, teatro infantil e títulos que não constaram dos guias de teatro (fontes de dados para esta pesquisa). O número de espetáculos ao mês se mantém constante (cerca de 160), isso indica que há uma rotatividade de 57 dramaturgos nacionais ao mês. Sendo mais claro: se estreiam 57, despedem-se de cena também 57. Essa pesquisa que remonta a 1990 também indica que a maioria dos autores aparece uma única vez, desaparecendo depois ou por falta de novas oportunidades ou porque não tinha muito a dizer.
        No perverso sistema atual grande parte dos espetáculos tem a possibilidade de se apresentar apenas uma ou no máximo duas vezes por semana o que ocasiona grande dificuldade de concentração e aquecimento, principalmente para os atores.

A PEÇA:
        É nesse cenário que se inscreve a peça Esperando Visitas, em cartaz apenas às quintas feiras no Viga Espaço Cênico. Eu já havia apreciado as qualidades do texto de Fernando Magalhães Rangel quando fui júri do Concurso de Dramaturgia do Instituto Capobianco que classificou essa obra entre o que julgou serem os dez melhores trabalhos enviados. Os diálogos muito bem estruturados, o bom português e o jogo de não revelar quem está com a verdade deixando as conclusões e reflexões para o espectador são, a meu ver, as grandes qualidades do texto, tendo apenas um salto dramatúrgico que soa artificial quando a protagonista Margarete revela o verdadeiro motivo do seu convite a Torquato, o outro personagem da peça. O texto tem muitos pontos em comum com aqueles de Edward Albee.
        Esse jogo de palavras às vezes nostálgico e quase sempre agressivo e rancoroso é bem defendido   pelos atores Denise Machado e Fábio D’Arrochella. Denise transita muito bem entre a arrogância da mulher bem sucedida nos negócios e a fragilidade de alguém que tem algo sério a revelar. D’Arrochella defende seu Torquato com um bem vindo toque de humor e sabe tirar partido dos silêncios e das reações ao ouvir a sua interlocutora, assim como das reações violentas que seu personagem tem em certos momentos.
        A direção de Zeca Sampaio é sóbria valendo-se da atuação dos atores, do belo cenário em branco e preto estilizando a frieza de uma cidade grande e da iluminação que não só ilustra os sentimentos das personagens em determinados momentos, como separa suavemente os três curtos atos em que a peça foi dividida. Cenário e iluminação são de autoria do encenador.
        Os figurinos foram criados pela atriz Denise Machado. O da atriz segue a linha branco e preto do ambiente e o do ator tem certo ar relaxado próprio do seu personagem.
        A peça deve sair de cartaz nesta semana e por seus méritos merece uma segunda temporada na cidade, quem sabe dando uma chance aos atores de representar mais do que uma vez por semana.

27/08/2017


quinta-feira, 17 de agosto de 2017

BOCA DE OURO


Foto de João Caldas Filho

        Costumo escrever a matéria de um espetáculo um ou dois dias após a ele ter assistido, mas quando o deslumbramento é muito grande procuro dar um tempo, esperar a poeira baixar e então voltar a ele, com menor perigo de adjetivar demais. Já faz uma semana a que assisti Boca de Ouro e ainda me sinto tocado pela beleza e perfeição da leitura de Gabriel Villela para o texto de Nelson Rodrigues, que, assim como A Falecida, tem sólida estrutura dramatúrgica, seja na determinação dos personagens, no desenvolvimento da trama ou no final surpreendente. Tudo funciona no texto que faz perfeito retrato do subúrbio carioca e a encenação de Villela, sem abandonar a estética do encenador, tem ar e ambiente que condizem com o original de Nelson Rodrigues. Ao contrário de outras montagens do diretor, são poucos os elementos em cena: várias mesas, cadeiras e copos simulando cabaré da Lapa e uma poltrona no meio da cena que terá diferentes funções durante a apresentação. O toque barroco, característico de Villela, fica por conta dos figurinos coloridos e esplendorosos (cenário e figurinos são assinados pelo diretor).
        Nesse cenário, sob a luz inventiva de Wagner Freire e ao som de músicas de diversas épocas do cancioneiro popular brasileiro interpretadas por Mariana Elisabetsky desfilam e agem as personagens criadas por Nelson Rodrigues.
        Lavínia Pannunzio, dona de imenso talento já comprovado em inúmeros trabalhos, merece destaque especial como Guigui, a personagem que conduz a trama contando três versões do assassinato de Leléco (Claudio Fontana, ótimo, lembrando vocal e corporalmente de Luís Mello em Paraíso Zona Norte (1989). Mel Lisboa cresce a cada nova interpretação, sua Celeste tem ao mesmo tempo a sensualidade e a agressividade pedida pelo autor, além da voz de poderoso alcance. Chico Carvalho empresta sua irreverência ao repórter Caveirinha e diverte na pele da granfina Maria Luísa. Leonardo Ventura tem ótima máscara como o velho corcunda Agenor, marido de Guigui, mas parece menos à vontade no concurso de seios do que suas “companheiras” Cacá Toledo e Guilherme Bueno. Malvino Salvador, buscando novos caminhos, se sai bem como o protagonista. Mariana Elisabetsky tem bela voz apesar de indesejável trinado nos momentos mais agudos. Jonatan Harold se incumbe do piano e de algumas figurações. Louvem-se a coesão e o espírito de conjunto do elenco, além da perfeita emissão de voz que torna o todo audível na complicada acústica do Tucarena.
        Na trilha sonora cabem tanto clássicos (Cidade Maravilhosa) como canções contemporâneas (De Frente Pro Crime) e até Bang Bang (My Baby Shot Me Down) todas elas adequando-se e comentando a ação.
        Boca de Ouro é espetáculo que beira a perfeição. Villela conseguiu, de maneira criativa e talentosa, transformar a tragédia carioca de Nelson Rodrigues em impactante melodrama expressionista, sem trair a intenção do autor.
        E não se pode deixar de comentar sobre o inventivo uso dos dedais que exercem várias funções durante a peça.


        BOCA DE OURO está em cartaz no Tucarena às sextas e sábados às 21h e domingos às 18h30.
        ABSOLUTAMENTE IMPERDÍVEL!

17/08/2017


segunda-feira, 14 de agosto de 2017

AS CRIADAS


        ... E o verbo se fez carne nas presenças hipnóticas de Bete Coelho e Magali Biff. Há muito tempo não se presenciava em teatro texto tão bem pronunciado e interpretado como nesta montagem extraordinária da não menos extraordinária peça de Jean Genet.
        A peça joga com a alteridade de maneira absolutamente perfeita. Logo em seu início a criada Claire incorpora a Madame enquanto sua irmã Solange a incorpora: está criado o jogo de espelhos que por meio das artimanhas das irmãs para assassinarem a Madame nos leva até o inesperado final. Genet escreveu o texto em 1947, época de desencanto da Europa do pós guerra, terreno fértil para surgir o teatro do absurdo de Beckett, Ionesco e onde ele também se situa. Genet, porém, pelo seu próprio modo de vida, acrescenta enorme dose de crueldade em seus escritos e As Criadas é exemplo disso.
        A montagem do polonês Radoslaw Rychcik tem simples, mas grande achado cênico que é a colocação de telão no alto do palco onde se pode ver os vários ângulos dos rostos e expressões das atrizes; outro fator que enriquece a montagem é a trilha sonora minimalista dos poloneses Michal Lins e Piotr Lis que comenta a ação e amplia o suspense da trama. A trilha é tocada ao vivo por músicos brasileiros.
        As interpretações das duas criadas são milimetralmente planejadas no gestual, na emissão de voz e na movimentação cênica. Atreladas a duas poltronas na maior parte do tempo, Bete Coelho e Magali Biff deixam os perplexos espectadores sentados na ponta da poltrona aguardando o que vai acontecer. É surpreendente e estimulante acompanhar esse jogo cênico dessas duas grandes atrizes.


        Toda a organização interpretativa das criadas cai por terra com a chegada da Madame numa explosiva interpretação de Denise Assunção. Denise parece não respeitar texto nem marcação sendo um ótimo contraponto para os trabalhos comedidos de Bete e Magali, no entanto a atriz podia ser menos over em sua concepção da personagem e em suas improvisações. Diga-se de passagem, que a atriz abre o espetáculo com exuberante figurino cantando O Morro Não Tem Vez, emblemática canção de Tom Jobim e Vinicius de Moraes que cai como uma luva para a proposta do diretor de colocar uma negra no papel de Madame.
        As Criadas de Jean Genet revisitada por Radoslaw Rychcik vai ficar para a história e as interpretações de Bete Coelho e Magali Biff deverão fazer parte das antologias que reúnem trabalhos excepcionais de nossas atrizes.
        A peça cumpriu temporada no Sesc Santana de 14/07 a 13/08, após ter sua estreia mundial no FIT – Festival Internacional de Teatro de Rio Preto. QUEM VIU, VIU!


14/08/2017

terça-feira, 8 de agosto de 2017

CÉLIA HELENA




        Com seu olhar melancólico, seu corpo esguio, seu belo rosto e sua voz personalíssima Célia Helena iluminou a cena paulistana por quatro décadas desde sua estreia em São Paulo em 1955 (ela havia feito Inimigos Íntimos em 1953 no Rio de Janeiro) com Os Três Maridos de Madame até 1992 em sua última aparição no teatro com Luar em Preto e Branco onde contracenava com Raul Cortez. Não assisti a nenhuma dessas duas montagens, mas tive a oportunidade de admirá-la muitas vezes a partir de 1964 quando a vi como a Tatiana de Pequenos Burgueses no Teatro Oficina. Foram muitas as emoções com suas interpretações viscerais e cheias de talento e de emoção, atingindo o auge, no meu ponto de vista, com a Magra na peça Pano de Boca de Fauzi Arap em 1976. No ano seguinte, a atriz inaugurou o Teatro Célia Helena e sua escola de teatro que passou a ocupar cada vez mais o seu tempo até o triste desaparecimento em 1997, após longa enfermidade.


1963 - Pequenos Burgueses

1976 - Pano de Boca

        A atriz também fez cinema e televisão, mas apesar de efêmero na forma, o teatro é a arte que melhor guarda na memória a sua presença.


        O ano de 2017 marca os 20 anos da morte da atriz e os 40 anos do surgimento do Teatro Escola que leva seu nome e hoje é administrado por sua filha Ligia Cortez. Datas redondas são apenas datas, mas servem para nos fazer lembrar e assim não deixar cair no esquecimento grandes nomes do nosso teatro, assim como seus principais trabalhos e, neste caso, empreendimentos como o Teatro Escola que de cursos profissionalizantes de teatro passou a Escola Superior de Artes com cursos de graduação e pós-graduação em artes cênicas, tendo formado muitos profissionais que hoje estão nos nossos palcos.
        Fica aqui o registro das saudades de Célia Helena (13/03/1936-29/03/1997) e do seu grande talento. 


               Nydia Licia, outra grande atriz de nossos palcos e colaboradora no Teatro Escola, escreveu um belo livro sobre Célia Helena intitulado Uma Atriz Visceral (Imprensa Oficial, 2010).  O volume é repleto de fotos e contém a lista completa de peças, filmes e novelas estrelados pela atriz.

08/08/2017
         


A PALAVRA PROGRESSO NA BOCA DE MINHA MÃE SOAVA TERRIVELMENTE FALSA


        Após sua publicação pela É Realizações Editora, com bastante frequência a obra do dramaturgo romeno Matéi Visniec tem sido posta em cena em nossos palcos. Agora chegou a vez de um de seus melhores trabalhos pelas mãos do encenador Reginaldo Nascimento


        A Palavra Progresso na Boca de Minha Mãe Soava Terrivelmente Falsa é um épico que trata dos desastres e da insanidade das guerras e a existência de fronteiras tendo como base uma família cujos pais procuram o corpo do filho morto na guerra e que foi enterrado em valas comuns em uma floresta. A peça é constituída por cenas envolvendo o pai, a mãe, o filho morto, a filha que se prostitui e seu entorno (o novo vizinho, a velha louca e o pessoal do prostíbulo). São cenas curtas muito bem construídas, muitas delas constituídas de monólogos. Apesar de se ambientar no pós-guerra da desintegração da Iugoslávia a peça tem caráter universal na sua denúncia anti- bélica.
        O diretor soube organizar essas cenas de maneira bastante dinâmica, não deixando pontos mortos entre elas. Os personagens circulam harmonicamente pelo cenário idealizado pelo diretor e por Déris Alves mostrando mais uma vez o talento de Nascimento para coreografar cenas de conjunto. A iluminação da peça dialoga com a proposta com o senão de dois spots ligados no rosto do público que prejudicam a visão e não têm muita (ou nenhuma) função.
        A montagem é prejudicada pela irregularidade do elenco. Enquanto Felipe Oliveira (o filho), Francisco Cruz (o novo vizinho e a travesti), Fernanda Tessitore (a filha) e Geni Sau (a velha louca) têm bons desempenhos; Reinaldo Fonseca (o pai) e Beatriz Alves (a mãe) deixam a desejar, ela pelos problemas de dicção e ele também pela dicção e pelo gestual não condizente com o personagem. Uma pena, pois são os personagens mais importantes da peça, tendo ela o momento mais tocante com o monólogo onde confessa que “... uma mãe feliz é uma mãe que sabe onde estão enterrados seus filhos”. O restante do elenco, em papeis menores, cumpre seu papel.
        Apesar desses senões, A Palavra Progresso na Boca da Minha Mãe Soava Terrivelmente Falsa merece ser vista. Está em cartaz no Teatro Commune às quartas e quintas às 21h até 19/10.

O8/08/2017
       

        

segunda-feira, 7 de agosto de 2017

A MULHER QUE DIGITA


        A Mostra de Dramaturgia em Pequenos Formatos Cênicos do CCSP completa sua 3ª edição com a apresentação de A Mulher Que Digita, ora em cartaz.
        Sucesso de público e de critica em suas duas primeiras edições (Mantenha Fora do Alcance do Bebê de Silvia Gomez/2015 e Os Arqueólogos de Vinicius Calderoni/2016 foram merecidamente aplaudidas e premiadas e os quatro outros títulos também tinham ótimo nível), o mesmo não aconteceu em 2017, onde uma direção equivocada prejudicou o bom texto de Boi Ronceiro e ANTIdeus ficou apenas na excelente intenção, aquela de denunciar o fanatismo de religiões monoteístas.
        Eis que a redenção da III Mostra chega com A Mulher Que Digita instigante texto de Carla Kinzo que coloca duas mulheres em cena, confinadas em um apartamento, sendo que lá fora reina a violência e há toque de recolher em determinado horário. Em clima de suspense uma dessas mulheres dita à outra uma terrível história sobre o assassinato de um jovem. Aos poucos a mulher que digita vai se envolvendo com a narrativa e a partir daí ficção, realidade e os papeis de cada personagem vão se entrelaçando em inteligente jogo de metalinguagem aonde o crescente ruído vindo da rua atinge níveis insuportáveis até se calar aos exatos 71 minutos da ação. A inclusão da canção Strange Fruits de e com Billie Holyday encaixa-se como uma luva ao tema tratado na peça.
        Louve-se a reação do público na noite da estreia que soube entender o código teatral imposto pela direção e aplaudiu no momento certo. É entendível, pela característica da encenação, que as atrizes não voltem para os agradecimentos finais, mas a devolução por meio dos aplausos da energia fornecida por elas durante a ação  fica retida na garganta do espectador.
        De acordo com a proposta da Mostra que é revelar bons textos dramatúrgicos, a encenadora Isabel Teixeira deu prioridade para o texto fazendo-o ecoar da melhor maneira nas vozes das atrizes. O cenário concebido pelo grupo e por Michel Castro é sóbrio e eficaz e o ambiente tem iluminação de Aline Santini que se aproveita muito bem das sombras e das penumbras para fortalecer a ação dramática.
        Sabrina Greve usa sua figura esguia para exteriorizar a segurança inicial da mulher que dita e que detém o conhecimento da história. No decorrer da ação ela vai perdendo essa segurança nas interlocuções com a mulher que digita vivida por Andrea Tedesco; esta demonstra um misto de perplexidade e curiosidade com o que vai ouvindo e suas interrupções na digitação têm saudável toque de humor que amenizam a tensão provocada pelo tema tratado. As interpretações confirmam o talento dessas duas jovens atrizes do nosso teatro.
        Segundo Kil Abreu, curador do projeto, a edição de 2018 recebeu mais de 300 inscrições o que consolida o sucesso e a importância desse evento. Longa vida à Mostra de Dramaturgia em Pequenos Formatos Cênicos do CCSP.
         A MULHER QUE DIGITA está em cartaz no Centro Cultural São Paulo às sextas e sábados às 21h e aos domingos às 20h até 27/08.


07/08/2017

quarta-feira, 2 de agosto de 2017

JULHO 2017: O livro, os bons espetáculos e o mais belo dos filmes.


         O mês de julho foi bastante gratificante para mim. O lançamento do meu livro O PALCO PAULISTANO DE GOLPE A GOLPE (1964-2016) levou mais de 150 pessoas à Casa das Rosas na muito fria noite do dia 19 e como espectador, tive o privilégio de assistir a ótimos espetáculos. Alguns deles foram comentados neste blog (O Dragão de Fogo, Patética, Hotel Mariana e Pescadora de Ilusão), mas houve muitos outros e por total falta de tempo não pude escrever sobre eles, faço então uma resenha daqueles que mais me surpreenderam:

- SÚTIL VIOLENTO – Produção da Companhia de Teatro Heliópolis, dirigida por Miguel Rocha. Bastante voltado para a expressão corporal, o espetáculo chega a lembrar dos laboratórios performáticos muito em voga nos anos 1970, dos quais O Terceiro Demônio do Grupo TUCA é o melhor exemplo. Elenco e músicos coesos e em sintonia com a proposta do encenador.

- IMORTAIS – A peça de Newton Moreno tem brilhante monólogo inicial realizado com toques de humor por Denise Weinberg onde sua personagem, uma velha que vai morrer, quer passar seus últimos momentos próxima à cova de seu marido. Infelizmente na continuação a peça não se mantém nesse nível. Direção de Inez Viana.

- A VOZ QUE RESTA – A peça é um intenso exercício de interpretação de Gustavo Machado representando homem carente tanto física como espiritualmente de sua amante Marina. Ele grava uma fita cassete para ela durante toda a ação da peça. Texto bem elaborado por Vadim Nikitin que também dirige o espetáculo. A iluminação de Aline Santini acompanha e ilustra o desespero do homem. A carência física atinge seu auge quando para amenizá-la o homem se masturba na forte e necessária cena final.

- CHORUME – Mais um texto inusitado de Vinicius Calderoni em uma encenação bonita e interessante do próprio autor onde os atores fazem deslocamentos bastante originais em cena contracenando com o cenário móvel de André Cortez e com a iluminação de Wagner Antonio.


- FOME.DOC – O roteiro de Fernando Kinas é uma antologia sobre a fome que inclui notícias de jornais, relatórios, Josué de Castro, Kafka e até O Comedor de Gilete, música de Carlos Lyra, popularizada por Ary Toledo. O extenso material resulta em espetáculo muito longo, apesar das ótimas interpretações da brechtiana Fernanda Azevedo que comenta com distanciamento cada palavra que profere e de Renan Rovida, este, uma excelente surpresa. Espetáculo sério, engajado e muito necessário para os dias que vivemos.

- NU DE BOTAS – Simpaticíssimo e gostoso espetáculo mostrando o universo de uma criança (Antonio Prata) com a descoberta das relações (a separação dos pais), do sexo e da morte. Elenco espontâneo com interpretações naturalistas. Direção de Cristina Moura.


- MEMÓRIAS PÓSTUMAS DE BRÁS CUBAS – Remontagem da adaptação de Regina Galdino da obra de Machado de Assis que fez sucesso há 19 anos com Cássio Scapin. Agora quem veste a roupa de Brás Cubas com muita verve, ironia e graça é Marcos Damigo que tem porte, flexibilidade corporal e vocal. Ótimo trabalho.


- A MORTE DE IVAN ILITCHTour de force de Cácia Goulart vivendo Ivan Ilítch do vigor como juiz à decadência e agonia até a morte. A adaptação jaz jus à magnífica novela de Tolstoi. A peça que cumpriu temporada há alguns anos, foi apresentada apenas por duas vezes na Biblioteca Mario de Andrade e merece um retorno ao cartaz.

- PARA NÃO MORRER – A figura em cena lembra uma velha feiticeira sábia detentora dos segredos da humanidade focando sua atenção em mulheres guerreiras, militantes e resistentes presentes no livro Mulheres de Eduardo Galeano. A personagem tem o braço esquerdo e parte do lábio paralisados. Interpretação vigorosa da atriz curitibana Nena Inoue que tem o corpo nu coberto por vasta cabelereira.


- OS ATINGIDOS – Alguns dirão “Mais uma peça tratando da tragédia de Mariana?”... Mas seriam necessárias mais de uma dezena delas para denunciar essa barbaridade que só podia acontecer em um país onde imperam a impunidade e o descaso pelas vidas humanas. Enquanto Hotel Mariana nos pegava pela emoção, Os Atingidos o faz pela razão. Em ambos os casos fica explícita a denúncia necessária dos fatos ocorridos em 05 de novembro de 2016. O grupo esteve em Mariana e trouxe alguns objetos que têm papel importante na dramaturgia de cena. O texto de José Fernando Peixoto de Azevedo (também diretor) baseado em depoimentos recolhidos no local e nas notícias da mídia é bastante consistente. Elenco afinado e ótima utilização de recursos cinematográficos que dão caráter épico à encenação. O operador de vídeo tem papel tão importante em cena quanto os atores.


- ON LOVE – Espetáculo de Francisco Medeiros que se assiste com um sorriso (às vezes, amargo) nos lábios. São seis monólogos falando de relacionamentos amorosos em suas mais diversas formas. Três deles foram escritos pelo dramaturgo escocês Mick Gordon e os outros três foram criados pelos atores seguindo o mesmo modelo de Gordon. Interpretação espontânea e bem equilibrada dos três atores (Eloisa Elena, Claudio Queiroz e Júlia Moretti), auxiliados pelos adereços criados por Marisa Bentivegna (malas de madeira que contém roupas, plantas e bancos). Há um intermezzo coreografado que prepara a última cena que é verdadeiro balé. Ah, a magia do teatro! Um imenso tapete vermelho limita a ação do gostoso espetáculo onde o público fica no palco, bem juntinho aos atores.

         Com exceção de Sutil Violento (em cartaz na Casa de Teatro Maria José de Carvalho até 27/08), Chorume (em cartaz no Sesc Bom Retiro até 13/08) , Fome.doc (em cartaz no Centro Cultural São Paulo até 20/08) e Memórias Póstumas de Brás Cubas (em cartaz no Teatro Eva Herz até 29/09), todos os outros trabalhos já saíram de cartaz.

         A resistência da nossa gente de teatro emociona e nos faz ter forças para bradar EVOÉS pela cultura deste país que tanto dela necessita.


         Ainda neste mês assisti se não ao melhor, ao mais belo filme do ano: POESIA SEM FIM, do diretor chileno Alejandro Jodorowski. Raro e belíssimo e muito diferente de tudo que já vi na vida. Lembra Fellini nas reconstituições e no onírico, mas vai mais fundo no surreal . Assisti de boca aberta e me tirou do chão.

01/08/2017



domingo, 16 de julho de 2017

PESCADORA DE ILUSÃO

Carol Badra e Mel Lisboa. Foto de Deborah Schcolnic

        Por conta de levar a netinha Laura tenho tido contato com o teatro infantil que se faz na cidade e como já comentei em outra matéria é surpreendente a maturidade e a qualidade das produções infantis, muitas vezes bem superiores daquelas praticadas pelo teatro adulto.
        Ontem foi a vez de Pescadora de Ilusão, sugestiva adaptação de GpeteanH do livro A Mulher Que Matou os Peixes de Clarice Lispector. Trazer o universo e a lembrança dessa grande escritora para as crianças é extremamente louvável e o adaptador, que também dirige o espetáculo, o fez com muita delicadeza e cuidado. Momentos hilários como a relação da escritora com o cachorro e os patos cantores caipiras são pontuados com momentos sérios e tristes como a morte da macaquinha Lizete. A montagem dosa muito bem esses elementos fazendo as crianças se divertirem muito, mas também tomarem contato com despedidas e mortes.
        As atrizes-palhaças Carol Badra e Mel Lisboa se revezam nos papeis de Branco e Augusto narrando com muita graça e espírito os envolvimentos da pescadora/escritora com os animais: baratas, lagartixas, gatos, cachorros, jacarés, coelhos, patos e a graciosa Lizete desfilam pelo palco e pela plateia para a alegria das crianças e dos adultos presentes.
        A tão decantada efemeridade do teatro torna-se muito palpável em espetáculo com crianças presentes. Elas são em geral desinibidas e participativas, dando palpites e até subindo ao palco fazendo cada apresentação ser absolutamente única. Na sessão a que assisti dois garotos subiram abruptamente ao palco durante a apresentação dos patos. Um incrédulo pai corria atrás do seu garoto que fugia dele lhe dando verdadeiro drible. A plateia acompanhava a inesperada ação torcendo para que o pai não alcançasse o pequeno: Que maldade! Enquanto isso as atrizes contornavam a situação improvisando algumas falas. Do modo como aconteceu essa cena não se repetirá jamais, por isso, viva o teatro, arte única!
        Há muitos momentos deliciosos na peça como o sapateado dos coelhos e o quase balé inicial debaixo da chuva. Tudo pontuado pela direção de arte de Marco Lima, pela música de Pedro Paulo Bogossian e pelo talento das atrizes.
        Nas últimas cenas as crianças são convidadas a julgar se condenam ou absolvem a mulher que matou os peixes, devolvendo ou não seu coração. E a noção de justiça é mais um elemento a ser incorporado ao universo infantil.
        PESCADORA DE ILUSÃO é exemplo de bom teatro infantil e deve ser prestigiado pelos pais em busca de divertimento saudável, educativo e formador de público para os seus rebentos.
        Em cartaz aos sábados e domingos às 16h no Teatro Sérgio Cardoso até 30 de julho.

Carol Badra, Guto Togniazzolo, eu, Mel Lisboa e GpeteanH, ao final do espetáculo.


16/07/2017